Posted by altaterradilavoro on Mar 10, 2019
Sylvain
Bellenger, direttore della Reggia-Museo e del Real Bosco di Capodimonte,
ha organizzato, con la collaborazione del texano The Edith ‘O Donnell Institute
of Art History, il “Centro
Studi per la Storia dell’Arte e dell’Architettura delle città portuali”.
Un centro internazionale che, nato nel settembre scorso, in un edificio
borbonico nel Real Bosco, chiamato la Capraia, lunedì ha
fatto la sua prima relazione pubblica. L’argomento: “Abitare un fondaco al Cavone.
Dall’archivio alle fonti orali, tracce e memorie della cultura popolare”.
Due i relatori: la
professoressa Brigitte
Marin, che, docente di Storia Moderna all’ Aix-Marseille
Université, è onusta di altri prestigiosi incarichi, e Marcello Anselmo,
storico contemporaneista, ricercatore nella stessa università marsigliese e
autore di réportages e
di studi sociali sulle città dell’Europa Meridionale.
La
professoressa Marin ha iniziato parlando del suo condiviso metodo di
studio: definire un fenomeno urbano risalendo alle sue origini
storiche, attraverso la ricerca e l’attenta lettura di documenti di archivio.
In più, la professoressa dimostra di tener conto anche degli scritti di altri
studiosi sull’argomento, rifacendosi al compianto Giuseppe Galasso (1929/
2018), storico accademico e importante politico che, come tale, aveva dovuto
attenersi a una considerazione del passato napoletano soprattutto quale causa
dei mali presenti, secondo la prassi solita di ogni governo.
La
Marin, quindi, riferisce di Galasso l’affermazione che i problemi della città
vengono dal passato e che la difficile situazione abitativa in cui versa il popolo
è “la continuità di un
problema irrisolto”. In realtà, durante il governo spagnolo,
quando Napoli era capitale di una delle Spagne, qui ci fu uno straordinario
aumento del numero degli abitanti che, dai 40.000 esistenti durante il
precedente governo aragonese, passarono a centinaia di migliaia.
Nel frattempo, furono costruite nuove mura, mentre veniva
emanato il divieto di costruire fuori dalla loro cinta. Di conseguenza, i
palazzi si innalzarono tanto che ai visitatori dell’epoca Napoli apparve come una
città di grattacieli. E piacque. Ma esistevano ancora, al suo interno, i giardini delle case nobiliari e
dei monasteri e c’era la vista amena delle verdi colline.
L’aumento
demografico continuò anche dopo la terribile peste del 1656, per la quale morì
– si dice- metà della popolazione, tra cui anche artisti famosi come Massimo Stanzione e Battistello Caracciolo.
Dal Seicento la
professoressa riporta l’uso fatto da uno scrittore francese in visita a Napoli,
della parola “fondachiera”,
per indicare la povera gente abitante dei fondaci napoletani, detta, poi,
“plebe” e “gentaglia”. Nello stesso periodo (è forse interessante notarlo), un
napoletano di genio come Gianlorenzo
Bernini, che era stato chiamato da Luigi XIV per
costruire il “Palazzo
del Re”, veniva continuamente criticato dalla Corte e dal Colbert,
Controllore Generale delle Finanze del Regno, e poi era ignominiosamente
rimandato a casa. Così il “Palazzo del Re”, il Louvre, oggi ha le forme
classiche della colonnade di Claude Perrault.
Delle
incomprensioni e dei contrasti tra il razionalismo dei francesi e il
naturalismo libero e ardito del Bernini riferì, nel suo diario, Paul Fréart de Chantelou,
Mastro di Casa del Re, rivelandosi amico dell’artista italiano. Il che dimostra
che ancora perdurava in Francia, nella seconda metà del ‘600, l’ammirazione per
la creatività nostrana, ma stava per nascere, da un estremo razionalismo
cartesiano, quell’illuminismo che si esprimerà, più di un secolo dopo, nel
neoclassicismo giacobino.
Del suo lavoro di
ricerca sul fondaco del Cavone, la professoressa Marin non nasconde le
difficoltà. E ricorda come un colpo di fortuna, ma fu premio al suo impegno,
l’essersi imbattuta nei documenti relativi ai monasteri scomparsi. Tra questi
c’è il monastero
femminile di santa Monica, nato come tale nel 1646 da un
conservatorio del 1628.
Nell’insula,
intorno al monastero, le monache costruirono un complesso di abitazioni
modeste, il Fondaco del Cavone appunto, che dettero in fitto a basso prezzo a
gente che aveva scarsi mezzi economici. Fu speculazione o beneficenza? L’uno
e l’altro probabilmente, secondo i casi – suggerisce la professoressa. Che,
citando i documenti, riferisce di numerosi interventi di manutenzione e decoro
fatti, per queste abitazioni, nel Seicento e nel Settecento, che poi, nella
seconda metà dell”800, vennero a mancare, determinandone il degrado.
Ma la
situazione di degrado esistente in questo periodo storico riguardò tutta la
città, e fu quello che Matilde
Serao descrisse ne “Il ventre di Napoli”.
Che non fu soltanto delle sue strutture materiali. Precedentemente, nel
Settecento, invece, la maggior parte dei visitatori, notoriamente Goethe ma non
solo, avevano considerato il popolo napoletano, compresi i poveri,
libero e felice.
Era ammirato il suo
essere “picturesque”,
termine inglese che allora sorse per connotare ciò che è veracemente originale
ed è amabile per la sua diversità. Ma poi, appunto nella seconda metà
dell”800, la povertà diventò miseria. Mentre, come dice la Marin, spesso il
sorriso divertito dei turisti diventava
una sorta di sprezzante ironia. Siamo negli anni successivi
all’unità d’Italia. Il degrado delle abitazioni e dei relativi servizi portò
all’emergenza sanitaria. A Napoli scoppiò il colera. E, di conseguenza, si
giudicò necessario procedere alla bonifica del suo centro e del suo sistema
fognario attraverso quello che fu detto il Risanamento oppure “lo sventramento”.
Che diventò “la più estesa trasformazione urbanistica che la città storica
abbia conosciuto”- ricorda, intervenendo nel colloquio instauratosi tra i
relatori e il pubblico, un architetto, esperto urbanista.
È il professore Italo Ferraro, già
docente alla Federico II e autore di un atlante in 12 volumi (edizioni Oikos),
che racconta la storia di Napoli nella sua concreta realtà edilizia. Da cui si
evince, non come semplice ipotesi ma come indubitabile testimonianza,
l’eccezionale continuità storica dell’antica città partenopea.
Una
continuità che ha fatto si che Napoli, che non è “una città con un porto” costruito
successivamente (come Atene), ma una città-porto fondata da greci marinai,
abbia potuto mantenere
l’impronta delle sue origini marine, nell’organizzazione
sociale, nella filosofia e nell’arte.
Infatti
le antiche lcittà costiere greche, come Neapolis, Palepolis, o Elea, la patria
di Parmenide, modellarono
la loro organizzazione sociale tenendo conto
dell’esperienza che ne avevano fatto sulla nave prima di stanziarsi
sulla costa. Sulle antiche navi, non si eleggevano quali capi i
politici-oratori. Ma era capo il nostromo (cubernetes in greco, gubernator in
latino), il governatore, che otteneva la sua legittimità dando prova delle sue
reali capacità. E ognuno dei marinai aveva le mansioni relative alle proprie
possibilità, il che non comportava la sanzione di una superiorità degli uni
sugli altri, perché era evidente il fatto che si era tutti sulla stessa barca:
una paritaria società di disuguali.
Così,
alla caduta dell’impero romano, Napoli fu, per molti secoli, guidata da un dux
con le funzioni di governatore, e fu un ducato. Finché, dopo l’esperienza
normanna, la città non conobbe gli Angioini, che la resero capitale di un
Regno. E fu il
centro conservatore di una cultura anomala, invisa agli
accademici e temuta dalle Autorità. Una corrente filosofica diversa da quella
classica improntata al razionalismo socratico-aristotelico. Fu l’empirismo
contro il razionalismo, l’esperienza contro lo scientismo, la libertà di vivere
contro l’eccessiva regolamentazione, contro la cosiddetta normalità.
Un fil
rouge lega il filosofo marinaio Parmenide, di cui si
era impadronito Aristotele travisandolo,
al filosofo naturalista Bernardino
Telesio, a Giovanbattista
della Porta e alla sua associazione dei Secreti,
accusata di occultismo, fu chiusa per ordine papale, a Tommaso Campanella,
torturato e imprigionato, a Giordano
Bruno, bruciato vivo in Campo dei Fiori, agli Investiganti
seicenteschi, al principe
di Sansevero, mago lo dissero e non scienziato quale
fu, a misconosciuti uomini geniali, come Giacinto De Cristofaro, chiuso in
prigione per molti anni, e a tanti altri ancora.
Tra i quali,
presumibilmente, quelli di cui è stata completamente cancellata la memoria.
Questo fil
rouge ci conduce a Gian
Battista Vico. Negli scritti di questo grande filosofo
napoletano si legge una concezione del tempo e dello spazio che ci riporta al
marinaio Parmenide.
Il
tempo, per Vico, non è un’entità unidirezionale e la realtà non è statica ma è
ritmo che si muove ritornando su se stesso, come il mare.
Come la musica napoletana che nutrì il mondo dai tempi di Nerone a quelli di
Paisiello. E lo spazio, per Vico, non è quello definito dalla geometria
cartesiana ed euclidea. Ma è quello che si apprende “con una mescolanza di
corporeità e di pensiero”.
Certamente
anche la gente di mare nella mente non poteva avere lo spazio euclideo ma
quell’ampio spazio marino che si conforma alla curva linea dell’orizzonte e
alla volta del cielo. È un’immagine espressa anche nell’arte figurativa
napoletana. E che è ben diversa da quella dello spazio-scatola a tre
dimensioni che Euclide teorizzò,
pubblicandolo nel 300 a. C., e che viene realizzato dal 1400 in poi, per mezzo
della classica prospettiva toscana. Che è la prospettiva per antonomasia,
l’unica accettata accademicamente e considerata reale, sebbene,
precocemente, L.
B. Alberti la avesse definita artificialis, cioè
meramente astratta. Eppure quella pittura napoletana che non si attiene alle
sue regole è stata spesso considerata arretrata o errata.
Erwin Panofsky, nel suo famoso libro
“La
prospettiva come forma simbolica”, riferisce della realizzazione
dello spazio sulla curva superficie dei vasi magnogreci del IV secolo a C. e di
una prospettiva simile a quella canonica (ma erroneamente realizzata) in alcuni
affreschi pompeiani. Di errori di prospettiva hanno parlato ancora i dotti
riferendosi alle vedute napoletane del Settecento. Non si tratta di errori ma
di una prospettiva diversa che nel Settecento ha raggiunto la sua piena
espressione, tanto da poter essere oggi tradotta in computer grafica.
È la prospettiva di
quello spazio che la gente di mare aveva nel cuore e nella mente: la prospettiva napoletana.
(cfr. “Lo
spazio a 4 dimensioni nell’arte napoletana. La scoperta di una prospettiva
spazio-tempo” ed T. Pironti). Uno spazio attualissimo, coerente a
quest’epoca di imprese spaziali, mentre la prospettiva toscana del ristretto
spazio-scatola è contestata da tempo. Nei dipinti napoletani considerati
sbagliati, c’è la visione
di uno spazio in movimento, che è visto da più punti di vista e
ha quattro dimensioni. Napoli ha intuito da sempre quello che la scienza ha
teorizzato soltanto nei primi anni del Novecento, con Albert Einstein, che
d’altronde ha scritto: “Le
origini del nostro pensiero sono nella Magna Graecia”. La
prospettiva non è soltanto un fatto pittorico: essa rispecchia la mentalità,
ovvero la struttura del pensiero, del pittore-autore, ma anche del suo ambiente.
E la prospettiva napoletana.si basa sui plurali punti di vista di una società
coesa, che danno concretezza a uno spazio iperbolico.
La
persistenza nell’arte figurativa degli stessi caratteri si apparenta alla
persistenza delle stesse famiglie nei quartieri popolari napoletani, come
il Fondaco del
Cavone. Famiglie che costituiscono una società coesa, con gli
stessi modi di pensare, di sentire e di atteggiarsi. Di questa società racconta
l’accurata indagine fatta sul posto dall’attento studioso Marcello Anselmo, che
ha intervistato persone e ha filmato interviste e luoghi, indagando su
importanti fenomeni ma anche su particolari, apparenti minuterie del modo di
vivere del popolo povero, e così ricostruendone la vita.
Tutto questo è reso noto ora al pubblico nella vivace relazione
dello studioso. Che chiarisce come la densità demografica del Fondaco del
Cavone si sia andata via via accentuando. Già era accaduto dopo “lo
sventramento” operato dal Risanamento del centro storico della città, un luogo
densamente popolato, i cui abitanti, quindi, dovettero trasferirsi altrove.
Di questi, mentre i più ricchi occuparono i nuovi appartamenti e quelli di
media fascia andarono ad abitare al Vomero, i poveri andarono ad addensarsi nei
luoghi già sovraffollati come i fondaci. Le condizioni degli abitanti
peggiorarono.
Tuttora
la densità
demografica tende ad aumentare, perché, a volte, pur potendosi
trasferire altrove, i giovani sono rimasti qui, accanto ai genitori, ai nonni,
agli zii e agli amici di sempre. E anche coloro che si erano allontanati,
andando ad abitare le case nuove della periferia, ritornano qui, nella vecchia
Napoli,tra i parenti e gli amici, tra gente conosciuta, in quella società che
gli è propria, a quel modo di vivere che è la loro vita. Così gli ambienti
abitativi, per dar loro posto, si sono solidarmente divisi. Ma sono tenuti
ordinati e lindi, e sono forniti di bagni e di moderne tecnologie casalinghe. I
piani del fondaco si sono innalzati e vengono preferiti quelli più alti.
Certo ora, come nei
vecchi vicoli napoletani, sta
sorgendo, ed è una novità, un senso di insicurezza.
Testimoniato anche dalla chiusura delle porte dei “bassi”, le case a pian
terreno, con la “finestra
zoppa” e, come nota acutamente Anselmo, dalla presenza dei cani –
non i randagi a cui si dà il cibo, un calcio e una carezza – ma cani da difesa
e robusti cani da guardia. Ora vi sono, anche nel Fondaco del Cavone, molti
abitanti che vengono dall’estero, soprattutto africani e cingalesi, gente
sconosciuta. Alcuni rimangono più a lungo, altri fanno un turn-over.
Ma
sono sempre di più e l’atteggiamento di accoglienza proprio delle
civiltà di mare… da Nausica in poi… si chiude in un atteggiamento di
faticosa sopportazione. E ogni tanto si protesta per piccole cose, che fanno
emergere in superficie la diversità tra le etnie. Pure lo spazio, qui, al
Cavone, scarseggia e rende
più aspri gli attriti tra persone che sono profondamente
diverse. Mentre l’armonia di una società è fatta dalla omogeneità dei suoi
componenti.
Dalla relazione degli studiosi molte cose sono state chiarite. Ma una domanda rimane senza risposta. Se i fondaci sono una sorta di antichi magazzini portuali, di origine medievale, che si trovavano un tempo lungo i moli, a Napoli come a Venezia e a Genova, il fondaco del Cavone, come quello, anch’esso napoletano, di San Gregorio Armeno, che non sono costruiti nel porto, perché si chiamano fondaci?
Adriana Dragoni
fonte http://www.agenziaradicale.com/index.php/rubriche/arte-e-dintorni/5739-abitare-un-fondaco-al-cavone-centro-studi-per-la-storia-dell-arte-e-dell-architettura-delle-citt
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Posted by altaterradilavoro on Gen 1, 2019
La famiglia Duse, che si era stabilita, da secoli, in
Chioggia, non si sarebbe mai mossa, se, nella prima metà dell’Ottocento, un
Luigi Duse, marinaio come tutti i suoi, non avesse desiderato darsi al teatro.
Si fece attore, fu celebre, ebbe la migliore Compagnia dialettale : subito i
fratelli, i nipoti ed altri parenti vari, lo seguirono sulle scene. Attori
anche i figlioli, anche Alessandro, che avrebbe voluto essere pittore e non
poté ; romantico e delicato Alessandro, sposato ad un a ragazza romantica e
delicata, Angelica Cappelletto, dolcemente malata di elisia, destinata a
vagabondare da un palcoscenico all’altro, senza gloria, senza denaro e senza
pace. Sono questi i genitori du Eleonora, che nacque a Vigevano, il 3 ottobre
1859. La portarono al battesimo in un piccolo cofano di cristallo, così che
parve una reliquia ed i dragoni le presentarono le armi : certo aveva già gli occhi larghi, bruni e dolenti.
Padre, madre e bambina girano per il Veneto; fra le
braccia della madre, Eleonora compare in scena. Cresce, ha cinque anni e
rappresenta Cosetta. Piange così bene che gli spettatori ne sono rapiti.
A 32 anni, Eleonora perde la madre, la soave Angelica,
malatissima e coraggiosissima, che se ne va senza rumore, lasciando marito e
figliola in un dolore vasto e muto : proprio in quei giorni, ereditano un poco
di danaro, cinque casette chioggiotte e
le rifiutano, poiché la cara morta non potrà più goderle : il loro solo
conforto vien proprio di lì, dal gesto di fierezza fantasiosa, e poi riprendono
la vita dura ed inquieta.
Le rose di Giulietta
A 14 anni, Eleonora è a Verona. Ha letto Shakespeare,
rappresenterà Giulietta : una felice estasi la coglie. Spende i suoi pochi
risparmi per comprarsi delle rose scarlatte. In una domenica di maggio,
l’immensa Arena, il cielo aperto, una moltitudine di popolani l’aspettano ed
Eleonora appare, carica di rose, avvolta, fasciata, torturata di rose. E’
Giulietta: ogni sua parola suona inevitabile e giusta, ogni accento è
fatalmente predestinato. Lascia cadere la prima rosa ai piedi di Romeo, sfoglia
la seconda dal balcone. Una felicità limpidissima e terribile la conduce alla
morte come su chiare onde. La notte scende, mentre il dramma ancora dura e gli
scroscianti applausi, la sua atterrita gioia, il buio, danno ad Eleonora
l’illusione di aver raggiunto una vetta.
Poi Eleonora lavora in compagnie meschine, che già
senta indegne. Finalmente il balzo in avanti nella compagnia Emanuel, che per
prima donna ha l’opulentissima signora Giacinta Pezzana. Accanto a lei, come
dovette sembrare magra, magra, sparutella, la signorina Duse ventenne,
malvestita e triste ! Il pubblico napoletano non l’amò gran che, si capisce,
abituato ai ricchi fascini dei busti colmi e delle “tournures” rigogliose. Ma
Napoli era piena di risorse : c’era una giovane giornalista, la signora Matilde
Serao, che subito fu amica di Eleonora, e c’era Martino Cafiero, civettone,
conquistatore, astutissimo Don Giovanni. Subito Eleonora ne è rapita e ne
riceve fiori, libri, vezzi ; impara a conoscere Posillipo e le cene galanti, le
gite in barca e il chiaro di luna.
Eleonora è molto felice. Trova, per rappresentare la
nuora di “Teresa Raquin”, accenti così nuovi ed umani da ottenere il trionfo e
la seconda grande scrittura, nella compagnia di Cesare Rossi, a Torino.
Scrittura che non le dà gioia, ma dolore, perché significa il distacco
dall’amato, una nuova solitudine Più grande solitudine quando, a Torino,
Eleonora si accorge di essere madre. Chiede aiuto a Cafiero, senza ottenerlo.
Singolare uomo questo Cafiero. Nessuno meglio di lui simboleggia la “fin di
secolo”, il cinismo senza malvagità, il dilettantismo senza mediocrità.
Fierissima, Eleonora si rifugia a Marina di Pisa, in
una casa di contadini, dove il suo bimbo nasce e subito muore. Eleonora stessa
ne porta al cimitero la bara, leggerissima. Poi torna a Torino. Qui le
succedono moltissime cose, inattese : diventa prima donna, perché la Pezzana se
ne va; Cesare Rossi si innamora di lei, perché è suo uso innamorarsi della
prima donna ; Tebaldo Cecchi, un bravo e buon compagno d’arte, le chiede di
sposarlo, perché vuol difenderla dalle insidie di Rossi. E così, come per
gioco, Eleonora si trova sposata, prima donna ed assillata dalle premure del
vecchio capocomico.
Il teatro va male, il pubblico seguita a non amare
Eleonora, giudicandola magra, stravagante e impossibile; gli incassi diminuiscono. Intanto arriva in
Italia, sfolgorando, con scimmie, cani, pappagalli, e vesti inaudite, la gloria
universale, un’icona prepotente, Sarah Bernhardt, massima attrice di teatro
dell’Ottocento, musa di Proust e D’Annunzio, amica di Henry James, definita
“mostro sacro” da Jean Cocteau. Nessuno riconoscerebbe il grigio teatro
torinese, quando Sarah vi debutta ed i fiori diventano montagne, gli applausi
boati, l’entusiasmo follìa.. Eleonora naturalmente l’ammira, ma appena Sarah è
partita, chiede e ottiene di mettere in scena proprio il lavoro che a Sarah, a
Parigi, valse un fiasco colossale : “La Principessa di Bagdad”. E trionfa. Gli
spettatori torinesi, esterrefatti, si vedono costretti ad applaudire la prima
donna, senza che sia aumentata nemmeno di un etto, senza che sia imbellita
nemmeno di una veste parigina. Eleonora è lanciata : va a Roma, recita “La
Moglie di Claudio” e il pubblico le stacca i cavalli dalla vettura ; poi tutte
le città italiane l’acclamano.
Ora la signora
Duse-Cecchi, celebrata, di giorno in giorno acquista sempre più gli estri, le
originalità e le bizze proprie delle donne del suo tempo. Era il tempo delle
crisi di nervi e dei sali inglesi, delle
fialettte d’ambra, degli svenimenti, della ipersensibilità e delle
incomprensioni, dei fazzolettini lacerati con i denti, delle bertuccine
custodite nel manicotto, dei suicidi in ginocchio, dei messaggi d’amore scritti
con inchiostro d’argento su carta nera, dei teschi tenuti sul tavolino. Queste
signore leggevano Nietzsche, “adoravano Wagner”, baffuti uomini le idolatravano
tremando, mentre le pallide borghesucce ne gemevano d’invidia. Perché vorreste
che Eleonora Duse non diventasse cos, e per
prima cosa non si mutasse il nome, firmando con predilezione Leonora ?
Nasce
Enrichetta, quella che sarà la bambina tranquilla, la giovanetta saggia, la
sposa-modello : i genitori l’affidano a certi contadini, per riprendere il loro
lavoro. Nuovi successi ; “Tournée” in America, trionfale.
“Oh, grande
amatrice ! ”
Primo attore
giovane, di bell’aspetto, di soavi modi, figura prestante e rigogliosi
mustacchi, è Flavio Andò : ama Eleonora, che lo ama. Tebaldo, il buon marito,
capisce che la separazione è necessaria e sparisce. Egli si terrà, fino alla
morte, lontano, devoto e fedelissimo ; Flavio Andò ed Eleonora viaggiano
insieme per l’Europa: nel 1886 nasce la loro Compagnia. La Russia
li acclama ; il 1892 li trova a Vienna ; l’anno dopo, nell’America del Nord ; i
fiaccherai e le mogli dei miliardari li acclamano.
Eleonora
stancamente ringrazia lasciando cadere all’indietro il suo famoso mantello, non
si dipinge mai, cade in crisi spirituali, ama castamente Arrigo Boito, si
pettina con un nodo sulla nuca, non porta il busto, piange spesso, scrive
lettere sforacchiate di lineette come i segnali Morse e racconta le sue
eleganti sofferenze . Ha trent’anni, si sente sola, poiché la passione per Andò
si è mutata in amicizia, poiché il marito è scomparso, poiché Enrichetta è in
collegio. Aspetta qualcosa dalla vita e che cosa non sa, ma, una sera, al Valle
di Roma, uscendo di scena,dopo il terzo atto de “La signora delle Camelie”, un
uomo le si para davanti : “Oh grande amatrice ! “ le grida e si allontana.
Era un uomo
piccoletto, con monocolo, il più mondano, il più pazzo, il più byroniano ;
Carducci leggeva i suoi versi, una duchessa lo aveva sposato e Parigi lo
adorava : era Gabriele d’Annunzio.
Quel primo
incontro non ebbe seguito e solo dopo un lungo intervallo poeta ed attrice si
ritrovarono a Venezia; Eleonora non
poteva dormire, la notte, e girava in gondola per i canali. Gabriele pure ed un
mattino, per caso, sbarcarono insieme. Si riconobbero e non si lasciarono più.
Per la prima
volta in vita sua, Eleonora mette su casa, a Venezia. Bisogna degnamente
accogliere le visite dell’amato ! Drappi rossi, scialli ricamati, vetri di
Murano, marmi infranti, icone bizantine, libri consunti, erbe secche, quel
tanto di caos e di squisitezza che poteva incantare il cuore del Poeta.
Da questo suo
amore, Eleonora riceve una “luce straziante” : ama, soffre, si rifugia
nell’ombra, docilmente aspetta l’opera che egli le ha promrssa e organizza una
“tournée” in America unicamente per procurarsi i fondi necessari ai decori
teatrali del suo Decoratore.
“Gioconda”, “
Città Morta”, “Francesca sa Rimini” sono accolte dal pubblico con ostilità,
anche se nulla è stato risparmiato per la maggiore nobiltà del lavoro : le fibbie delle comparse sono di vere gemme,
Micene rivive, la Duse cela le sue belle mani offrendo la sua bella voce. Il
pubblico, però, fischia. Che le importa il successo, ormai, o i danari ? Ha
Gabriele, barbetta caprina, sfolgoranti parole, certezza, incertezza,
meravigliose bugie, “Laudi”, Capponcina, debiti, cavalcate sulla sabbia di Marina di Pisa, cani gloriosi, donne
adoranti, crudeltà, tenerezza, Gabriele, Gabriele ! Le pare che nulla sia
sufficiente a pagare l’inaudita fortuna di stargli vicina e dà la sua
sofferenza, il suo lavoro, la sua gloria, senza chiedergli nulla.
“Il Fuoco”
Ad Atene,
durante una “tournée”, d’Annunzio, che accompagna i suoi interpreti, consegna
all’impresario ed amico di Eleonora il manoscritto di un libro nuovo,
chiedendogli se la pubblicazione gli pare possibile. Questo libro è “Il Fuoco”.
Tuoni e
fulmini ! L’impresario fa un salto per aria, interrompe la lettura a metà, si
precipita da Eleonora : questo libro non può uscire, questo libro non deve
uscire, è uno scandalo, una calunnia, un’infamia ! Lei tace. dapprima, davanti
alla collera del fedele amico, poi ritrova un poco di coraggio, per dichiarare
di conoscere “Il Fuoco”, di approvarlo, di permetterlo. “Non si ha il diritto”
dice, di soffocare un capolavoro !”.
Però, in
verità, ella non ha il diritto di opporsi al volere del suo amore. Quando la
figlia Enrichetta, ormai fanciulla, la supplica di evitare che questa rovina si
compia, Eleonora risponde che rinunciare a Gabriele le sarebbe impossibile come tagliarsi una mano.Quando
Cécile Sorel la compiange, ribatte che il sacrificio le è dolce. Ed “Il Fuoco”
viene pubblicato.
Cieca,
immemore, non si difende neppure, anche se una vergogna atroce la stringe,
anche se vorrebbe fuggire e nascondersi. Si aggrappa a questa estrema
giovinezza che la lascia e ripete : “Ho quarant’anni e lo amo”.
E Gabriele
l’abbandona. Eleonora gli regala una bussola antica ed il suo perdono. E’
stanca, tutto le duole, tutto la fa soffrire : innumerevoli miserie fisiche,
dominate finora dalla sua volontà, la tormentano : i polmoni, il cuore, gli
occhi, i nervi, tutto cede. Per anni continuerà il suo lavoro. Sarà Vasillissa,
sarà Rebecca, sarà Ellida. Andrà in scena soffocando per la tosse, per l’asma,
per la paura irragionevole che improvvisamente la coglie.Dall’America del Sud a
Vienna, dalla Russia a Parigi, ripeterà Magda e Margherita Gautier, senza più
scopo. Il senso della solitudine la tortura ed una sera, a Berlino,
pronunciando quel “sola ! “ che chiude “La Donna del Mare”, Eleonora capisce di
non poter resistere più e nel 1909 lascia il teatro.
Si rifugia a
Firenze, per curarsi gli occhi minacciati di cecità, che lentamente guariscono.
Enrichetta le chiede di venire a stabilirsi in Inghilterra, a Cambridge, dove
ella vive con il marito, il professore Edward Bulloughs, ma Eleonora rifiuta.
Il padre, quell’Alessandro Duse che aveva sempre desiderato dipingere ed ora, a
Venezia, finalmente dipinge, la prega di raggiungerlo, ma Eleonora rifiuta.
Devastata,, vive solitaria, mentre il mondo, con rapidità, la dimentica.
Pellegrinaggi, fughe, partenze notturne, soggiorni segreti in città straniere,
che la ricevono senza riconoscerla. Preghiere umili, di chi ancora non crede,
ma vuol credere.
La Signora
Casa di Roma,
in via Nomentana, che pazientemente trasforma in quella Casa delle Attrici, da
lei ideata con infinito amore. Poiché il riposo, il silenzio, le hanno dato
nuove forze, Eleonora sente la necessità
di spenderle : festa di inaugurazione, patrona la Regina. Una folla fdi
donne, con gonne ad “entrave”e corsetti lavorati alla turchesca, si stringe
intorno alla “Signora”.
La chiamano
così, ormai, la Signopra : perfetto nome per quella che, non bella durante la
giovinezza, in vecchiaia è diventata bellissima. Sta la Signora fra le sue
protette e sorride.
Le pare di
aver trovato uno scopo. Dolce il maggio, su Roma, ma è il maggio 1914.
Addio Casa
delle Attrici, riposo, silenzio. Con ali nere vola la guerra sul mondo.Altri
scopi troverà la Signora. Teatro del Fronte,visite ai soldati, ospedali.
Finisce la guerra, lo squallore la
sostituisce. Eleonora Duse si rifugia in
Asolo, dove sarà la sua ultima casa. Vorrebbe darsi ancora, non sa a chi, a che
cosa. Tenta il cinematografo, invece, su scenario di Grazia Deledda con
“Cenere”.
Eleonora ha
fefde nel suo lavoro, ma non nel suo volto consumato. Si inizia così la sua
lotta con gli operatori, con i registi, poiché supplichevolmente ella chiede
sempre ombre, “flous”, veli, che nascondano la sua decadenza, e “Cenere” può
presentare solo una Duse incenerita, spentissima.
Ancora il
Teatro. La guerra ha rovinato finanziariamente la Duse. Ricca non fu mai,
noncurante e generosissima, ma padrona di un patrimonio modesto, che faceva
amministrare, a Berlino, da Roberto von Mendelssohn, fedele amico, saggio
consigliere. Ma l’inflazione inghiottisce ogni sostanza della Duse, che si
ritrova poverissima. E ne è contenta.
“Sola !”
Ora ha un
pretesto, la spinta, per tornare alle scene. Il 5 maggio 1921, davanti ad un
pubblico ansioso, riappare Ellida, il volto nudo, capelli bianchi, voce
palpitante e ferita. E’ un successo ? Qualcosa di meno e qualcosa di più, un
gigantesco stupore davanti a tanta altezza raggiunta con mezzi tanto semplici.
Eleonora ritrova il delirio, riprende il cammino trionfale, attraverso
l’Italia, la Svizzera, l’Inghilterra. Intanto l’asma le toglie il respiro, i
polmoni si struggono, gli occhi lacrimano, i nervi dolorano. Intanto le finanze della Compagnia vanno
malissimo : dopo il primo anno, ha
centomila lire di debito; dopo il
secondo, duecentomila. La Signora non sa come tener testa ai suoi impegni. Spessissimo
la sua salute le impedisce di recitare e le penali sono rovinose ed ella ne
perde ogni pace.
Quello che fu
il suo prodigioso amore ed ora orbo, eroe, Comandante di Fiume, rivolge una
lettera ai giornali, ricordando l’opera da lei compiuta. Tuttavia non l’aiuta a
realizzare il suo sogno: un teatro per lei, un teatro piccolissimo,
modestissimo, “una cantina”, dice, o “una catacomba”, dove le sia permesso,
circondata da giovani, creare una nuova arte.
Meravigliosa
fede della Signora ! Vecchia, stanca,
potrebbe lasciarsi cadere. Invece lotta, presenta le opere che le sembrano
degne, quali il “Così sia” di Gallarati Scotti e le difende anche davanti
all’insuccesso. Finalmente, per liberarsi dai debiti, dagli impresari avidi,
riparte per l’America del Nord. Ha 65 anni ed i suoi polmoni sono finiti.
Pittsburg è
metallica e grigia, mostri di cemento e di ferro si profilano sul cielo, piogge
taglienti colpiscono la Signora, mentre, davanti al teatro, aspetta che le si
apra l’ingresso degli artisti.
Ma la
rappresentazione della “Donna del Mare” è trionfale : alla fine soltanto,
quando Eleonora pronuncia quel “sola !” che dà la misura del suo distacco, chi
la conosce comprende che non solo il dramma finisce, ma la vita.
Era il lunedì
di Pasqua, il 23 aprile 1924. Per tutta la notte la Signora aveva chiesto,
delirando, di ripartire, di riprendere il lavori. L’alba la trovò bianca,
pacificata, nobilmente composta nella morte.
Alfredo Saccoccio
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